LA CUSTODIA DELL'ESISTENZA - LUCIANO VUNICH

Esistono immagini che, pur richiamando iconografie profondamente radicate nella storia dell’arte, riescono a sottrarsi alla semplice ripetizione del passato per aprire nuove possibilità interpretative. È quanto accade in questa nuova opera di Luciano Vunich, in arte Modi’t, dove la figura materna diventa il centro di una riflessione che attraversa il
tema della protezione, della memoria, dell’identità e del legame primordiale tra due esistenze.

A un primo sguardo, la composizione richiama inevitabilmente la tradizione della Madonna con Bambino, uno dei soggetti più rappresentati nella pittura occidentale. Eppure, osservando attentamente, ci si accorge che Vunich non sembra interessato a riproporre un’immagine devozionale secondo i canoni tradizionali. Piuttosto, ne recupera la forza simbolica, trasformandola in una rappresentazione dell’esperienza umana, nella quale la maternità assume un valore universale.
La figura femminile occupa quasi interamente la superficie pittorica. Il volto allungato, il collo sottile, gli occhi verdi e l’espressione composta restituiscono una presenza sospesa, distante da qualsiasi ricerca di realismo anatomico. La donna non sorride, non manifesta apertamente un sentimento, eppure comunica una particolare intensità emotiva. Il suo
sguardo è rivolto verso l’osservatore, mentre il bambino, raccolto tra le braccia, sembra abitare una dimensione più intima e protetta.

È proprio in questa differenza di atteggiamento che si sviluppa uno degli aspetti più interessanti dell’opera. La madre appartiene contemporaneamente a due mondi: quello esterno, verso il quale rivolge lo sguardo, e quello privato, rappresentato dal bambino che custodisce. La sua presenza diventa così una soglia, un punto d’incontro tra l’individuo e
la responsabilità verso l’altro. La maternità non viene raccontata attraverso un gesto sentimentale, ma attraverso una
condizione dell’essere. Particolarmente significativa è la costruzione delle mani. Grandi, allungate, quasi sproporzionate rispetto al resto del corpo, diventano protagoniste della composizione.
Una mano si innalza verticalmente davanti al bambino, mentre l’altra lo sostiene, attraversandone delicatamente la figura.
Questa scelta formale non appare casuale. Nella storia dell’arte, le mani hanno spesso assunto una funzione narrativa e simbolica, diventando strumenti di benedizione, protezione, comunicazione e riconoscimento. Nell’opera di Modi’t, la loro deformazione sembra accentuarne il valore espressivo. Non sono soltanto mani che sorreggono: sono
mani che custodiscono, delimitano uno spazio sicuro, costruiscono una relazione.
La mano sollevata può suggerire un gesto di difesa, ma anche un’affermazione silenziosa della presenza materna. La sua posizione introduce una sottile ambiguità: protegge il bambino dal mondo oppure presenta al mondo ciò che custodisce?
È in questa possibilità di letture differenti che l’immagine acquista profondità. Il bambino, al contrario, è rappresentato attraverso forme più raccolte e compatte. Il volto conserva una delicatezza quasi arcaica, mentre il corpo, avvolto in una successione di campiture cromatiche, sembra fondersi con l’abbraccio materno. Le due figure rimangono distinguibili, ma condividono uno stesso spazio visivo ed emotivo.
La relazione non è affidata a uno scambio di sguardi, bensì alla vicinanza dei corpi e alla continuità delle forme.
Dal punto di vista stilistico, l’opera rivela ancora una volta quella libertà linguistica che caratterizza la ricerca di Luciano Vunich. La semplificazione anatomica, l’allungamento del volto e la centralità della figura richiamano alcune esperienze della figurazione moderna, con suggestioni che possono avvicinarsi alla lezione di Modigliani. Allo stesso tempo, la costruzione dei volumi, le linee di contorno marcate e l’autonomia del colore introducono riferimenti a una sensibilità espressionista e decorativa.
Tuttavia, sarebbe riduttivo ricondurre il dipinto a un insieme di influenze. Modi’t utilizza linguaggi differenti per costruire una propria grammatica visiva, nella quale la deformazione non rappresenta un allontanamento dalla realtà, ma uno strumento per restituirne la dimensione emotiva.
Il colore svolge un ruolo determinante. Il verde dell’abito, il rosso profondo del mantello, le tonalità violacee e rosate dello sfondo, insieme agli accenti arancioni e gialli, costruiscono un equilibrio cromatico vivace ma non privo di tensioni. La figura materna emerge attraverso una tavolozza che alterna calore e raccoglimento, energia e quiete.
Il mantello rosso, in particolare, si espande lateralmente fino a diventare una presenza quasi architettonica. Non si limita a rivestire la figura: sembra avvolgere idealmente l’intera scena, contribuendo a creare uno spazio di protezione.
Anche lo sfondo partecipa attivamente alla costruzione del significato. Le linee ondulate, le forme circolari e le campiture irregolari non descrivono un paesaggio riconoscibile.
Costruiscono piuttosto un ambiente sospeso, nel quale elementi astratti e figurativi convivono senza soluzione di continuità.
Nella parte superiore compare una piccola falce di luna, inserita in una forma luminosa che interrompe la profondità cromatica dello sfondo. La sua presenza introduce una dimensione temporale e simbolica. La luna, tradizionalmente associata ai cicli, al femminile e alla trasformazione, può essere interpretata come un richiamo alla continuità
della vita, al tempo che attraversa le generazioni e alla natura mutevole dell’esistenza.
Non è necessario attribuire a questo elemento un significato definitivo. La sua forza risiede proprio nella capacità di ampliare il racconto oltre la dimensione immediatamente visibile.
Allo stesso modo, le forme sinuose che attraversano la parte superiore della composizione sembrano suggerire un movimento continuo, quasi una corrente di energia che circonda le figure. Il contrasto tra la stabilità della madre e il dinamismo dello sfondo contribuisce a creare una tensione sottile: al centro vi è la custodia, intorno il fluire del mondo.
In questa opposizione si può riconoscere una riflessione più ampia sulla condizione umana. Proteggere non significa arrestare il tempo o sottrarsi al cambiamento, ma offrire un punto di riferimento mentre tutto continua a trasformarsi.
L’opera si inserisce così con coerenza nel percorso artistico di Vunich, nel quale la figura umana diventa frequentemente il luogo di una ricerca che supera la rappresentazione esteriore. Come già emerso nei precedenti approfondimenti dedicati alla sua produzione, l’artista costruisce immagini nelle quali la realtà viene filtrata attraverso una sensibilità
personale, dando origine a spazi che appartengono contemporaneamente alla memoria, all’immaginazione e alla dimensione psicologica.
In questo caso, tuttavia, il linguaggio assume una particolare intensità attraverso il recupero di un’immagine archetipica.

La madre e il bambino non rappresentano soltanto due individui, ma una relazione originaria, una delle prime forme attraverso cui l’essere umano sperimenta il contatto, la dipendenza, la fiducia e il riconoscimento.
È interessante osservare come Vunich riesca a evocare questa complessità senza ricorrere a una narrazione esplicita. Non esiste un’azione, non viene suggerito un episodio preciso. Tutto si concentra nella presenza delle figure, nell’intreccio delle mani, nella frontalità dello sguardo e nell’equilibrio della composizione.
L’immobilità diventa racconto. Il gesto diventa linguaggio. La vicinanza diventa memoria.
Forse è proprio questo il risultato più significativo dell’opera: la capacità di recuperare un soggetto appartenente alla tradizione iconografica e restituirlo a una dimensione contemporanea, nella quale il sacro può essere letto anche come esperienza profondamente umana.
La donna non ha bisogno di essere identificata con una figura religiosa per assumere una presenza quasi sacrale. È il suo gesto di custodia a conferirle questa dimensione. Allo stesso modo, il bambino non rappresenta soltanto l’infanzia, ma la fragilità dell’esistenza e la necessità universale di essere accolti.
Luciano Vunich costruisce dunque un’immagine che, dietro l’apparente immediatezza del soggetto, custodisce una riflessione articolata sul legame umano. La sua pittura non cerca una bellezza fondata sulla perfezione delle proporzioni, ma un equilibrio capace di rendere visibile ciò che normalmente appartiene alla sfera dell’emozione.
Ed è forse in questa distanza dal naturalismo che la sua ricerca trova una delle espressioni più interessanti: non rappresentare semplicemente ciò che gli occhi riconoscono, ma dare forma a ciò che la memoria e la sensibilità continuano a custodire.
La figura materna diventa allora molto più di un soggetto pittorico. Diventa simbolo di un’origine, di una relazione che precede la parola e di quella necessità profondamente umana di trovare, almeno una volta nella vita, un luogo nel quale sentirsi protetti.
Perché, in fondo, prima ancora di imparare a conoscere il mondo, ciascuno di noi ha conosciuto il significato di un abbraccio.

A cura di Maria Di Stasio