Testi critici: Il cuore narrato dell'arte

Esistono abbracci che durano un istante ed altri che continuano a vivere nella memoria. Poi esistono abbracci che non appartengono soltanto a due corpi, ma diventano il simbolo stesso delle relazioni che costruiscono l'esistenza.Nell'opera L'abbraccio, Luca Berno sceglie di non rappresentare la figura umana. Non vi sono volti, mani o gesti riconoscibili. Al loro posto compare un organismo complesso di linee, curve e connessioni che si cercano, si attraversano, si sfiorano e si sostengono reciprocamente.È proprio in questa rinuncia alla rappresentazione che risiede la forza dell'opera.L'abbraccio non viene mostrato. Viene reso visibile attraverso la sua energia.

Nella pittura di Luciano Vunich, in arte Modi't, il silenzio non coincide mai con l'assenza. Al contrario, diventa uno spazio fertile in cui il pensiero prende forma e l'interiorità trova finalmente il coraggio di manifestarsi.In quest'opera una figura femminile siede immobile su una poltrona. Il corpo appare raccolto, le mani si intrecciano in un gesto composto, mentre il volto, inclinato con delicata naturalezza, sembra rivolgersi verso qualcosa che sfugge allo sguardo dello spettatore. Non c'è tensione, non c'è dramma. Esiste soltanto un tempo sospeso.Alle sue spalle una finestra non apre semplicemente verso l'esterno, ma suggerisce la presenza di un altrove. Accanto ad essa una forma luminosa, simile a una piccola fiamma o a un pensiero che prende consistenza, introduce una dimensione simbolica che attraversa l'intera composizione. È il segno di qualcosa che non appartiene al mondo materiale: un ricordo, un'intuizione, una memoria che continua a vivere oltre il visibile.

"Da me a te" – Tommaso Marcello

Esistono artisti che dipingono ciò che vedono ed altri che, invece, dipingono ciò che hanno profondamente vissuto. Marco Verdelli appartiene con naturalezza a questa seconda categoria. La sua pittura non nasce dall'esigenza di descrivere un luogo, ma dalla necessità di custodirne l'essenza, trasformando il paesaggio in una dimensione interiore dove memoria, emozione e silenzio convivono in un equilibrio di rara delicatezza.

In Nature Morte, Lorenzo Trombino rilegge il concetto tradizionale di natura morta, trasformandolo in una composizione che supera la semplice rappresentazione degli oggetti per diventare un archivio della memoria e dell'esperienza. L'opera si sviluppa attraverso una stratificazione di fotografie, frammenti tessili, superfici pittoriche e interventi materici che dialogano tra loro in un equilibrio dinamico, dando vita a una narrazione aperta, fatta di richiami, ricordi e suggestioni.Le immagini della natura – vigneti, campi coltivati, frutteti – convivono con oggetti della quotidianità e materiali appartenenti alla sfera domestica. Nessun elemento assume un ruolo gerarchico rispetto agli altri: ogni frammento conserva la propria identità, contribuendo alla costruzione di un paesaggio interiore in cui il vissuto personale si intreccia con la dimensione universale del ricordo. La dominante cromatica dei blu e dei verdi, attraversata da improvvise accensioni di rosso e di bianco, conferisce alla composizione una tensione visiva che alterna quiete e movimento, memoria e presenza.

Nella ricerca artistica di Luciano Vunich, in arte Modi't, gli animali non rappresentano mai semplici presenze decorative o narrative. Essi abitano le opere come figure simboliche, custodi silenziosi di un dialogo antico tra l'essere umano e la dimensione invisibile dell'esistenza.In questa nuova opera, un cavallo bianco e una grande creatura alata accompagnano la figura centrale in uno spazio sospeso, privo di coordinate temporali e geografiche. Non siamo di fronte a una scena reale, ma a un paesaggio interiore.Il cavallo, da sempre simbolo di libertà, viaggio e forza spirituale, assume qui il ruolo di compagno e guida. La sua presenza non appare dominante ma rassicurante, quasi protettiva. L'uomo e l'animale condividono lo stesso silenzio e sembrano appartenere alla stessa memoria.Accanto ad esso compare una creatura alata che richiama l'immaginario degli angeli, dei messaggeri e delle figure di passaggio tra mondi differenti. Le sue ali sembrano custodire non soltanto il movimento, ma la possibilità stessa della trasformazione.Tra le due presenze si inserisce un elemento ulteriore: la tavolozza del pittore, luogo simbolico della creazione e della nascita dell'immagine. Non è un dettaglio casuale. L'arte diventa il ponte tra la dimensione concreta e quella interiore, tra ciò che è visibile e ciò che continua ad abitare il territorio del sogno.Ancora una volta Modi't non racconta una storia precisa, ma costruisce una condizione emotiva.Le sue figure sembrano vivere sulla soglia.Tra giorno e notte.Tra memoria e desiderio.Tra terra e cielo.Tra realtà e immaginazione.

Visione, trasformazione e coscienza nel Luberlionismo di Luca Berno

Esistono immagini che appartengono alla storia dell'arte e che, proprio per la loro forza simbolica, continuano a riaffiorare nei momenti di grande trasformazione culturale. Antonio Esposito sceglie di confrontarsi con una di queste immagini e la trascina con coraggio nel cuore delle inquietudini del nostro tempo.Distopia sotto gli occhi di tutti non è soltanto un'opera sulla tecnologia. È un'opera sull'essere umano. Sulla sua fragilità. Sul suo crescente bisogno di essere visto, ascoltato, compreso, in un'epoca che sembra aver moltiplicato le connessioni e, allo stesso tempo, impoverito la capacità autentica di entrare in relazione.

Testo critico a cura di Maria Di Stasio ©

Esiste un momento, nella percezione del mondo contemporaneo, in cui l'ordine si dissolve e ogni certezza sembra frammentarsi in una molteplicità di segni, direzioni e possibilità. È precisamente in questo spazio di tensione che si colloca Chaos, opera di Simona Carbone, un lavoro che non rappresenta il caos come semplice condizione di disordine, ma lo indaga come stato originario dell'esistenza, luogo fertile e generativo da cui ogni forma di orientamento prende avvio.La superficie pittorica si presenta come un territorio attraversato da stratificazioni, cancellazioni, gesti improvvisi e sedimentazioni materiche. Il bianco e il nero, colori primari della dialettica visiva, non si oppongono in maniera assoluta, ma si inseguono e si compenetrano, dando vita a un campo percettivo in continuo movimento. Il bianco diviene spazio di apertura, sospensione e possibilità; il nero si manifesta invece come traccia, memoria, presenza e profondità. In questo incessante dialogo cromatico si genera una cartografia emotiva che sfugge a ogni lettura univoca.

"Sous l'aile du cygne", encres sur toile de coton, 50x50cm, 2026Haïku : "Sous l'aile du cygne,Un corps bascule en silence.-Le mythe tremble."