Testi critici: Il cuore narrato dell'arte

Haïku "Le coquelicot entrave ma liberté -Coré aux Hadès."

“Serafica nelle folate di vento”: il corpo femminile tra costrizione, memoria e consapevolezza. Un’opera che attraversa il dolore per interrogare la libertà, lo sguardo sociale e il significato stesso della resistenza.

Esistono opere che nascono dall’esigenza di rappresentare il mondo e altre che prendono forma dalla necessità di testimoniare il proprio attraversamento dell’esistenza. In queste ultime, la pittura supera la dimensione puramente estetica per diventare una dichiarazione di identità, un luogo nel quale la memoria personale incontra una riflessione più ampia sulla condizione umana. È in questa prospettiva che si colloca la nuova opera di Luciano Vunich, in arte Modi’t, un dipinto che affronta il rapporto tra esperienza, destino, resistenza e creazione artistica, restituendo alla figura del pittore una dimensione profondamente umana.

Esiste un momento, nel percorso di un artista, in cui la ricerca smette di essere soltanto un esercizio di espressione e diventa una necessità di comprensione. È il momento in cui l'opera non nasce più esclusivamente dal desiderio di comunicare qualcosa al mondo, ma dall'urgenza di interrogare se stessi, di attraversare le proprie contraddizioni, di riconoscere ciò che fino a quel momento si è preferito custodire nel silenzio. Osservando l'ultima opera di Antonio Esposito, Nudi sotto l'Altissimo, si avverte con particolare intensità questo passaggio. Un'evoluzione che merita di essere riconosciuta, perché testimonia una crescita non soltanto sul piano della ricerca pittorica, ma soprattutto nella consapevolezza del ruolo dell'artista e della responsabilità che ogni autentico processo creativo porta con sé.

Esistono immagini che, pur richiamando iconografie profondamente radicate nella storia dell’arte, riescono a sottrarsi alla semplice ripetizione del passato per aprire nuove possibilità interpretative. È quanto accade in questa nuova opera di Luciano Vunich, in arte Modi’t, dove la figura materna diventa il centro di una riflessione che attraversa iltema della protezione, della memoria, dell’identità e del legame primordiale tra due esistenze.

Con Codice Alfa, Luca Berno entra simbolicamente nel luogo più intimo dell’essere umano: non il corpo nella sua forma visibile, ma ciò che lo precede, lo costruisce e, almeno in parte, lo determina. Il codice genetico e il sistema neuronale diventano materia plastica di un’opera che tenta di rendere visibile ciò che normalmente appartiene all’invisibile.La scultura nasce infatti dall’incontro di due immagini immediatamente riconoscibili: la doppia elica del DNA e il neurone. Due strutture differenti, ma profondamente legate alla definizione dell’individuo. Da una parte l’informazione biologica, dall’altra la complessità della mente; da una parte ciò che ereditiamo, dall’altra ciò che apprendiamo, ricordiamo, immaginiamo e trasformiamo.

In Seme di Napoli, Antonio Esposito non rappresenta semplicemente il mito di Partenope: ne ricerca il momento della trasformazione, scegliendo di raccontare ciò che accade quando una fine smette di essere soltanto una fine e diventa origine.Partenope è raffigurata capovolta. Non emerge dalle acque, ma vi si immerge. È una precisazione fondamentale, perché determina l'intera direzione narrativa dell'opera: lo spettatore non assiste a una rinascita intesa come risalita, ma a una discesa. La figura procede verso il fondale, verso una dimensione nella quale il corpo perde progressivamente la propria consistenza e l'identità individuale comincia a dissolversi.Il dipinto è attraversato da una netta separazione cromatica. La parte superiore, calda e terrosa, appartiene ancora alla superficie; quella inferiore precipita invece progressivamente nell'azzurro e poi nel blu. La diagonale che divide questi due mondi impedisce qualsiasi sensazione di equilibrio. Non c'è un orizzonte stabile: c'è una soglia.Ed è sulla soglia che Antonio Esposito colloca la metamorfosi.

Con L’ultimo canto, Stefania Tagliabue sembra spingersi verso un territorio nel quale la materia non costituisce più soltanto il supporto dell’immagine, ma diventa parte integrante della sua costruzione simbolica. La pirografia su tavola in noce massello, unita all’acrilico e alla foglia argento, genera infatti una superficie complessa, attraversata da contrasti che appartengono tanto alla tecnica quanto al significato dell’opera.

Ci sono opere che raccontano una scena e altre che, partendo da una scena riconoscibile, finiscono per interrogarsi sulla pittura stessa. In questo lavoro di Luciano Vunich, in arte Modi’t, le due dimensioni sembrano incontrarsi: un artista nel proprio spazio, una finestra aperta sulla notte, una tela, una sedia, pochi oggetti quotidiani. Eppure, dietro questa apparente semplicità narrativa, si costruisce un’immagine molto più complessa, nella quale differenti linguaggi pittorici convivono e si contaminano.

Esistono abbracci che durano un istante ed altri che continuano a vivere nella memoria. Poi esistono abbracci che non appartengono soltanto a due corpi, ma diventano il simbolo stesso delle relazioni che costruiscono l'esistenza.Nell'opera L'abbraccio, Luca Berno sceglie di non rappresentare la figura umana. Non vi sono volti, mani o gesti riconoscibili. Al loro posto compare un organismo complesso di linee, curve e connessioni che si cercano, si attraversano, si sfiorano e si sostengono reciprocamente.È proprio in questa rinuncia alla rappresentazione che risiede la forza dell'opera.L'abbraccio non viene mostrato. Viene reso visibile attraverso la sua energia.

Nella pittura di Luciano Vunich, in arte Modi't, il silenzio non coincide mai con l'assenza. Al contrario, diventa uno spazio fertile in cui il pensiero prende forma e l'interiorità trova finalmente il coraggio di manifestarsi.In quest'opera una figura femminile siede immobile su una poltrona. Il corpo appare raccolto, le mani si intrecciano in un gesto composto, mentre il volto, inclinato con delicata naturalezza, sembra rivolgersi verso qualcosa che sfugge allo sguardo dello spettatore. Non c'è tensione, non c'è dramma. Esiste soltanto un tempo sospeso.Alle sue spalle una finestra non apre semplicemente verso l'esterno, ma suggerisce la presenza di un altrove. Accanto ad essa una forma luminosa, simile a una piccola fiamma o a un pensiero che prende consistenza, introduce una dimensione simbolica che attraversa l'intera composizione. È il segno di qualcosa che non appartiene al mondo materiale: un ricordo, un'intuizione, una memoria che continua a vivere oltre il visibile.

"Da me a te" – Tommaso Marcello